Ren White, de la série « Sculptures lumineuses »

Les sculptures lumineuses constituent une série d’œuvres pouvant être interprétées à plusieurs niveaux.
Sur le plan symbolique, elles font référence au contraste entre la croissance, l’espoir et le développement, symbolisés par la lumière, d’une part, et la désintégration, le dépérissement et la mort, exprimés par des formes irrégulières, comme brisées, et des coquilles vides, d’autre part.
La lumière a toujours été porteuse d’une symbolique riche et généralement positive — de la conception religieuse de la lumière éternelle à la métaphore courante de la lueur au bout du tunnel. À l’inverse, les formes fissurées, érodées par le temps et les événements, évoquent les échecs, les tentatives infructueuses et la conscience du caractère éphémère de l’existence. Elles rappellent que toute chose a une fin, que même la pierre finira un jour par s’effriter.
On peut également interpréter ces œuvres comme un contraste entre ce qui est à l’intérieur — délicat, immatériel, inexprimé — et ce qui est à l’extérieur : une surface rugueuse et dure, destinée à protéger cet intérieur spirituel.
Ces enveloppes matérielles ne sont pas nécessairement une mauvaise chose. Elles sont comme une peau épaisse qui protège ce qui est délicat. Elles soutiennent la structure, donnent une forme, deviennent la forme matérielle d’une lumière immatérielle.
Cependant, cette enveloppe n’est pas hermétique. Elle présente des ouvertures, des fissures et des interstices. D’une part, cela signifie que la protection n’est jamais parfaite. On peut jeter un œil à l’intérieur, percevoir ce qui est caché en y prêtant suffisamment attention, mais ces mêmes interstices permettent également de blesser l’intérieur.
D’un autre côté, si la protection était totale, elle ne permettrait pas à ce qui se trouve à l’intérieur de se révéler à l’extérieur. Il serait impossible de sortir de son propre cocon ni d’établir un contact. Un contact imparfait, fragmentaire, mais un contact tout de même.
C’est pourquoi quelque chose transparaît à travers ces coques dures.
Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si de nombreuses œuvres de cette série restent ouvertes vers le haut. Là-haut, la lumière a le champ libre, elle ne rencontre aucun obstacle pour s’élever haut dans les cieux. Ce n’est qu’ici, en bas, au niveau du sol, qu’il faut se protéger.
Les œuvres de ce cycle sont réalisées selon différentes techniques et à partir de différents matériaux. Il s’agit tantôt de céramique, tantôt de papier à la main, tantôt de matière plastique. Le matériau lui-même modifie quelque peu le contexte de l’œuvre. La lumière enveloppée de papier translucide produit un effet différent de celle entourée de granit. Les degrés de protection varient, tout comme les possibilités de se révéler et de s’ouvrir vers l’extérieur.
Les degrés de courage, les niveaux d’optimisme et la foi en un avenir meilleur varient également. Mieux que ce n’est actuellement. Ou du moins supportable. Les niveaux de résignation, le besoin de se cacher et de se replier sur soi-même varient également.
Parfois, la lumière est intense, comme si elle voulait à tout prix percer vers l’extérieur et illuminer la vie des gens. D’autres fois, elle ne fait que frémir à l’intérieur, étouffée par le poids des événements qui l’entourent.
Comme dans la vie.
Ces œuvres ont chacune un nom. Je voulais qu’en dépit de leurs similitudes, elles ne forment pas une masse anonyme, une foule. Leur donner un nom souligne leur individualité, permet de les considérer chacune séparément, de manière plus personnelle. Cela crée la possibilité d’établir une relation individuelle.
Comme avec un être humain.